A few months ago we met Dutch fashion designer Iris van Herpen for an editorial portrait assignment in New York. We had seen her Paris haute couture collection, and the incredible dresses worn by Bjork during the Biophilia tour. It was Iris’s first time in New York, and she had enthusiastically walked all day around the city. We thought how wonderful it is to meet her at that moment, when she is transforming into an international success, perhaps without realizing it.

We were curious about the process and environment behind her work, and a few months later, we visited her space in Amsterdam. We caught her once again at a transitional moment – moving into her new studio and in between two seasons of haute couture. The studio was almost deserted as dresses were being shipped to Groninger Museum where her first solo exhibition was about to open.

We followed Iris to the museum in Groningen, in the north of Holland. As her show was being installed, a retrospective of legendary Azzedine Alaia occupied adjacent galleries. Iris van Herpen’s collections filled the space beautifully. We wandered around before the opening, discovering many of the dresses for the first time, enjoying the dramatic effect of an empty museum space.

ioulex is a New York based photography duo.

#Espanol|Por ioulex
Amsterdam  y Groningen, Holanda

Hace unos meses, nos reunimos con la diseñadora de modas holandesa  Iris van Herpen por el contrato de hacer un retrato editorial en Nueva York. Habíamos visto su colección de alta costura de París y los increíbles vestidos que lució Björk en su gira Biophilia. Era la primera vez de Iris en Nueva York y había recorrido con entusiasmo la ciudad durante todo el día. Pensamos en lo maravilloso que sería conocerla en ese momento en que estaba convirtiéndose en un éxito internacional tal vez sin darse cuenta.

Teníamos curiosidad por los procesos y el entorno que había detrás de su trabajo y algunos meses después visitamos su lugar en Amsterdam. Una vez más la sorprendimos en un momento de transición, trasladándose a su nuevo taller y en medio de dos estaciones de alta costura. El taller estaba casi desierto pues los vestidos estaban siendo embarcados al Museo Groningen, donde estaba por inaugurarse su primera exhibición individual.

Seguimos a Iris hasta el museo de Groningen, en el norte de Holanda. Mientras se instalaba  su presentación, una retrospectiva de la legendaria  Azzedine Alaia ocupaba las galerías adyacentes. Las colecciones de Iris van Herpen llenaban bellamente los espacios. Hicimos un recorrido por ahí antes de la inauguración descubriendo por primera vez muchos de los vestidos y disfrutando el dramático efecto que produce el espacio vacío de un museo.

ioulex es un dúo de fotógrafos residente en Nueva York

Producer/Director of feature length documentaries  “Life and Debt” “H-2 Worker” and “Africa Unite”

It is wonderful when one of your favorite artists asks you to direct their music video, and then you quietly remember “I haven’t directed one in over ten years…”

Stephen Marley’s voice has been part of my life’s soundtrack for over 25 years: From his 1989 raggamuffin deejay turn on “Look Who’s Dancing” by Ziggy Marley and the Melody Makers to his stand out tracks “Lord We a Come,” “A Who A Say,” and “What Conquers Defeat” on earlier ZMMM albums. I remember a show on Pier 84 in NYC in 1990 when then-17-year-old Steve playing the kette perfectly captured the euphoric mood of a city that had just welcomed Nelson Mandela following 27 years of imprisonment. Appearing front stage for a song or two–Steve was typically side stage while Ziggy sang lead– his voice had an intense soulful edge, and his lyrics a mature, discerning wisdom, there was a playful poetry to the words he selectively omitted allowing us to sing for him. Then mysteriously he’d disappear mid-stage to vibe with the players of instruments, leaving us wanting more of his heart and swagger.

Everyone’s all grown up now (I was happy to discover Stephen Marley and I shared the same birthday, having been dismayed to learn at an early age that both Adolf Hitler and McDonald’s were born/founded on April 20th), and today Stephen continues to blaze as one of the brightest, most indomitable lights in reggae music. And the Grammys seem to agree–he’s won 6 as producer, singer, songwriter and multi-instrumentalist. He’s a master producer of collaborations, including moving anthems with brother Damian Marley, the track “Hey Baby” with Mos Def (a personal favorite), and the Chant Down Babylon album featuring father Bob Marley alongside hip hop’s finest.

And so one of the joys (and challenges) of being a filmmaker is that you sometimes get to work with artists who were part of your own growing up, who fueled your own artistic inspiration and who help postpone “the end of the innocence” a bit longer. Looking forward to hearing Steve’s third solo album The Revelation Part 2: The Fruit of Life which can only promise that more great music “soon come.”

#Espanol|por Stephanie Black

Productora/Directora de los documentales “Life and Debt” “H-2 Worker” y “Africa Unite”

Es maravilloso cuando uno de tus artistas favoritos te pide dirigir su video musical y en seguida recuerdas mentalmente “no he dirigido ninguno en más de diez años”.

La voz de Stephen Marley ha figurado en mi discoteca durante más de 25 años: desde su lanzamiento en 1989 como intérprete de reggae con “Look Who’s Dancing”, de Ziggy Marley y los Melody Makers hasta sus exitosas piezas “Lord We a Come,” “A Who A Say,” y “What Conquers Defeat”, parte de los primeros álbumes de ZMMM. Recuerdo una presentación en Pier 84, en Nueva York, en 1990, cuando el entonces adolescente de17años Steve, tocando a la perfección el kette, capturó el eufórico espíritu de una ciudad que acababa de dar la bienvenida a Nelson Mandela tras sus 27 años de encarcelamiento.Y aunque normalmente se ubicaba en un escenario lateral mientras Ziggy era el protagonista, esa vez apareció en el escenario central para hacer una o dos canciones. Su voz tenía un intenso acento soul y de su canción emanaba una madura y profunda sabiduría. Había poesía en las palabras que omitía a propósito, permitiéndonos cantarlas por él. Y luego desapareció misteriosamente en la parte de atrás del escenario, mezclándose con los intérpretes instrumentales y dejándonos con las ganas de seguir escuchando más de su espíritu y de su arrogancia.

Todos nosotros hemos crecido ya. Me gusto descubrir que Stephen Marley y yo compartíamos la misma fecha de cumpleaños, pero siendo muy pequeña  me desilusioné cuando supe que tanto Adolf Hitler como McDonald’s habían nacido el 20 de abril. Hoy, Stephen continua destacándose como una de las luces más brillantes e indomables del reggae. Y los Grammy parecen darme la razón, ya que ha ganado 6 como productor, intérprete, autor y multi instrumentalista. Es un importante productor, incluyendo conmovedores himnos con su hermano Damian Marley, la composición “Hey Baby” con Mos Def (uno de mis favoritos), y el álbum Chant Down Babylon, donde destaca a su padre Bob Marley junto a los más grandes representantes del hip hop.

Una de las satisfacciones (y de los desafíos) de ser cineasta es que a veces te toca trabajar con artistas que fueron parte de tu propio crecimiento, que incentivaron tu inspiración artística y que te ayudan a posponer un poco más el fin de la “edad de la inocencia”. Con ansias espero escuchar el tercer album de Steve como solista, The Revelation Part 2: The Fruit of Life, que nos promete que “está por llegar” más música de la buena.

My film RESTLESS CITY is a simple story; in its core it is a story of love, and passion, displacement and survival. It is a story of struggle and isolation in one of the most populated cities in the world. It is a story of determination, and the need humans share of connecting to their hearts desire.

As a filmmaker, I believe it is crucial to expose and define the immigrant experience as one of both struggle, and ordinariness. Immigrants to this country are the same frail humans as any of us, with the same needs, desires, and processes of day- to- day living. We work, we learn, we fall in and out of love, we grow, we suffer, we give and take, we die. We are not foreign, or other…. But part of the whole, and in fact… very ordinary.

I want to show the world the underside of the every day. How people come to America with hopes and dreams, and the lengths they go to gain their piece of the American Dream.  I came to film-making with a need to depict images of a people whose lives are so rarely seen on screen, who live ordinary lives and go through the trials of all mankind…every day journeys to earn a living, to support family, to enjoy life, to make love, to realize dreams. I want to tell the stories of these expatriates who live outside the system, yet contribute to the fabric of the city, in a vacuum.

I have always seen images –whether stills or film- as one thing: a method to inspire an emotional reaction in the viewer. I believe less forced information allows the audience to find themselves in some part of the story. The casting for RESTLESS CITY was amazing in that most of the actors were immigrants, or first generation Americans, and the nuances of the culture were innate in their appearance, and their individual interpretations of the characters.

The two principle characters, Djibril and Trini both came to NY to pursue their dreams of acting, and have found success, but not without a lot of hard work, and sacrifice. Their understanding of how the culture manifests in this country was crucial to their embodiment of the characters. In many ways, they weren’t acting! Their chemistry as curious strangers, and then as lovers was organic and uncontrived, because they each saw the truth of the others story. I want my actors to feel the pain of their characters, to be able to transport themselves into the story – as it turns out, most of the actors I am drawn to have first-hand knowledge of the experiences I am portraying.

Director Andrew Dosunmu is currently based between New York City and Nigeria.

#Espanol|Por Andrew Dosunmu, Fotos por Jenny Baptise

Mi película RESTLESS CITY tiene una trama sencilla. Básicamente, es una historia de amor y pasión, desplazamientos y supervivencia. Una historia de lucha y aislamiento en una de las ciudades más populosas del mundo. Una historia de determinación y de la necesidad humana de conectarse con los deseos de su corazón.

Como cineasta, creo que es crucial exponer y definir la experiencia de los migrantes, la que se presenta a la vez como una lucha y como una rutina. Los inmigrantes en este país son seres humanos frágiles como cualquiera de nosotros, con las mismas necesidades, deseos y procesos de vida cotidiana. Trabajamos, aprendemos, nos enamoramos y nos desenamoramos. Crecemos, sufrimos, entregamos y recibimos, morimos. No somos extraños ni otros… Somos partes de un todo y, en realidad, bastante comunes.

Quiero mostrar al mundo el reverso del día a día. Cómo la gente llega a los Estados Unidos con sueños y esperanzas. Cuáles son los caminos que deben recorrer para ganarse su pedacito del Sueño Americano. Deseo contar la historia de estos expatriados que viven fuera del sistema, pero que desde el vacío contribuyen en la trama de la ciudad.

Siempre he considerado las imágenes –ya sea que se trate de fotos fijas o de películas- como un método para inspirar una reacción emocional en el espectador. Creo que una menor cantidad de información forzosa permite a la audiencia encontrarse a sí misma en alguna parte de la historia. La actuación en RESTLESS CITY es sorprendente pues la mayor parte de los actores son inmigrantes o americanos de primera generación y las particularidades culturales se reflejan en su apariencia y en la interpretación individual de los personajes.

Los dos protagonistas, Djibril y Trini, llegaron a NY buscando su sueño de ser actores y han alcanzado el éxito pero solo tras un duro trabajo y sacrificio.  Su comprensión de la forma en que la cultura se manifiesta en este país fue crucial para la construcción de sus personajes. En muchos sentidos, no estaban actuando. Su personificación, primero, de unos extranjeros curiosos y luego como amantes fue natural y auténtica porque cada uno pudo ver la verdad de la historia de los otros. Quiero que mis actores sientan el dolor de sus personajes, que sean capaces de transportarse dentro de la historia y, como resultado de ello, la mayoría de los actores con los que trabajo poseen un conocimiento de primera mano de las experiencias que estoy relatando.

Andrew Dosunmu esta basado entre New York City y Nigeria.

When daylight dims towards peace and the quiet of darkness, Asakusa, an unpretentious district of Taito, close to Ueno in Tokyo is just starting to brighten.  As I walk along the Sumida River that leads us to the Asakusa-Taishukan Theatre, the lights become more pronounced leading to an entrance that feels secret.

Once inside, I am welcomed by the theater guardian. I immediately feel as if many hundreds of years of plays and stories have transpired  between the old decaying walls which surround me.

I was about to experience ”TAISHU ENGEKI,’” which in Japanese means “theater for the masses.” The Japanese call it “working-class kabuki,” but mediocre and boring it is not.  As the audience starts to get comfortable sitting on their tatami mats and drinking sake, visual and auditory delights begin to unfold.

Dances and songs vividly capture my attention as various Enka, or collages of stories, are told. One play is about children who find themselves separated from their parents but then are reunited with them twenty years later. In another story, the boys look like girls and are disguised by beautiful decorative  make-up that artfully adorns their faces. My friend, seated beside me, whispers that many of the actors performing tonight travel around Japan with their families, acting in a circuit of theaters until many of them become celebrities.

The aura of this particular theatre is gripping. The visual aesthetic and display of intense emotions speak a universal language.

A few days later, the theater shuts down for renovations that may take years.  Before I depart from Tokyo, I return to the theatre on its last night open. There is an evident sadness on the faces of the theatre crew. For them, their emotion is reality, not theatre. My friend tells me that this type of theatre’s days are numbered.  I am glad I was able to see it before that happens.

Alexandre Valerio is a French photographer, he lives in New York.

#Espanol|Por Alexandre Valerio

Cuando la luz del día se va diluyendo en la paz y la quietud de la oscuridad, Asakusa -un distrito nada pretencioso cercano a Ueno, en Tokio- recién comienza a brillar. Mientras camino a lo largo del río Sumida que nos lleva hasta el Teatro Asakusa-Taishukan, las lucen aumentan y nos conducen a un ingreso que nos parece secreto.

Una vez dentro, me da la bienvenida el guardia del teatro y de inmediato siento que centenares de años de piezas teatrales e historias han transpirado entre los viejos muros que me rodean.

Estoy a punto de presenciar “TAISHU ENGEKI”, que en japonés significa “teatro para las masas”. Los japoneses lo llaman “kabuki de la clase trabajadora”, sin embargo, no es ni mediocre ni aburrido. Mientras los espectadores empiezan a acomodarse en sus tatami y beben sake, empiezan a sucederse encantadoras experiencias visuales y auditivas.

Las danzas y canciones capturan mi atención, mientras se van contando diversas Enka o collages de historias. Una pieza se refiere a unos niños obligados a separarse de sus padres y que, veinte años más tarde, vuelven a encontrarse. En otra historia, los chicos parecen niñas y están disfrazados con hermosos maquillajes que decoran sus rostros artísticamente. Mi amigo, sentado junto a mi, me susurra que muchos de los actores que esta noche actúan viajan por Japón con su familia, actuando en un circuito de teatros y muchos de ellos llegan a convertirse en celebridades.

El aura de este particular teatro es apasionante. La estética visual y el despliegue de emociones intensas hablan en un lenguaje universal.

Unos días más tarde el teatro cerrará sus puertas por reparaciones que podrían durar años. Antes de partir de Tokio, vuelvo al teatro, a su última función. Hay una tristeza evidente en los rostros de los artistas. Para ellos, esta emoción es verdadera, no es teatral. Mi amigo me cuenta que los días de este tipo de teatros están contados, por lo que estoy contento de haber podido asistir antes de que se acaben.

Alexandre Valerio es un fotógrafo francés que vive en Nueva York.

Laax, Switzerland

Some planets are made of ice, Pluto (officially a dwarf planet) is one such example. My recent trip to the Burton European Open in Laax, Switzerland, felt almost felt like being on a different planet, one that blended the arctic landscape with the wildly popular sport of snowboarding. With over 400 entrants competing for a prize pool of $125,000 US, the stakes were fairly high. Equally high was the altitude of the tricks performed in this series. All the images were shot during the finals, at either the Slopestyle or the Halfpipe competitions.

The sun was beaming and the sky was a crisp shade of blue.  You could even see the moon in the distance, giving the illusion of the boarders literally flying over it.  Not quite a fairytale, but almost.

Klaus Thymann is a Danish photographer and filmmaker, he lives in London.

#Espanol|Por Klaus Thymann

Laax, Suiza

Algunos planetas están hechos de hielo. Plutón (considerado un planeta enano a nivel oficial) es en gran parte hielo. En el Burton European Open, en Laax, es como estar en un planeta diferente. En el planeta del snowboard, más de 400 participantes competían por un premio de 125.000 dólares por lo que la vara estaba muy alta. E igualmente altas eran la calidad de las acrobacias desarrolladas durante estas tomas. Todas las imágenes fueron tomadas durante las finales, tanto en el Slopestyle como en el Halfpipe.

Durante las finales, el sol ya había desaparecido en el cielo azul, e incluso se podía ver la luna a la distancia. Literalmente, los competidores volaron más allá de la luna. Véanlo ustedes mismos.

Klaus Thymann es un fotógrafo y cineasta danés. Reside en Londres.

This work began in 2002, is called “box system” is questioning the way we live in a big city like Sao Paulo, the starting point is the relationship of people to the city, their way of life, their burrows. The approach covers different photographic processes from the model, construction, living people, to ruin, when the buildings they saw giant tombstones fill out the action of taggers, who are abandoned in their time, their tabloid unusual. The photographic language emphasizes the dramatic images of the eading documentary beyond comprehension descriptive.

Ricardo Barcellos is a Brazilian Photographer. He lives and works in Sao Paulo.